De geschiedenis van de schilderkunst

De geschiedenis van de schilderkunstDe geschiedenis van de schilderkunst

van Het nieuwe boek van Kennis ®

De geschiedenis van de schilderkunst is een nooit eindigende keten die begon met de allereerste foto’s ooit gemaakt. Elke stijl komt voort uit de stijlen die ervoor kwam. Elke grote kunstenaar draagt ​​bij aan de prestaties van vroegere schilders en invloeden later schilders.

We kunnen genieten van een schilderij voor haar schoonheid alleen. De lijnen, vormen, kleuren en compositie (opstelling van de onderdelen) kunnen een beroep doen op onze zintuigen en blijven hangen in ons geheugen. Maar genieten van kunst neemt toe naarmate we leren wanneer en waarom en hoe het is gemaakt.

Een schilderij beschrijft altijd iets. Het kan indruk van een scène of persoon van de kunstenaar te beschrijven. Het beschrijft ook de gevoelens van de kunstenaar over de kunst van het schilderen zelf. Stel bijvoorbeeld, de kunstenaar schetst een beeld van de geboorte van Venus, de Romeinse godin van de liefde—een onderwerp dat al vele malen heeft gebruikt. De kijker mag niet leren iets nieuws over het onderwerp van de meer recente versie die niet kon worden geleerd van de oudere. Waarom dan, doe schilders moeite om dezelfde scène opnieuw af te schilderen? Het antwoord is dat ze willen dat we iets nieuws over de manier waarop de scène kan worden geschilderd om te vertellen. In zekere zin is de kunstenaar te zeggen: "Ik heb de geboorte van Venus geschilderd als geen andere artiest voor mij heeft geschilderd." De kunstenaar toont niet alleen de geboorte van Venus, maar maakt ook een statement over de kunst van het schilderen zelf.

Holbewoners waren de eerste kunstenaars. Gekleurde tekeningen van dieren, daterend uit ongeveer 30.000 tot 10.000 voor Christus zijn gevonden op de muren van de grotten in het zuiden van Frankrijk en in Spanje. Veel van deze tekeningen zijn verbazingwekkend goed bewaard gebleven, omdat de grotten up verzegeld waren voor vele eeuwen. Vroeg mensen tekende de wilde dieren die zij zagen overal om hen heen. Zeer ruwe menselijke figuren, getekend in levensechte posities, zijn gevonden in Afrika en het oosten van Spanje.

De grot kunstenaars vulde de grot muren met tekeningen in rijke, heldere kleuren. Een aantal van de mooiste schilderijen zijn in de grot van Altamira, in Spanje. Eén detail toont een gewonde bizon, niet meer in staat om op te staan—waarschijnlijk het slachtoffer van een jager. Het is geschilderd in roodbruin en eenvoudig maar vakkundig in zwarte wordt geschetst. De pigmenten gebruikt door grot schilders waren aarde okers (ijzeroxiden variërend in kleur van lichtgeel tot diep oranje) en mangaan (een metalen element). Deze werden vermalen tot een fijn poeder, vermengd met vet (misschien dierlijk vet), en op met een soort van borstel. Soms werden de pigmenten gebruikt in de stokken, zoals kleurpotloden. Het vet gemengd met de poedervormige pigmenten die de verf vloeistof en de pigmentdeeltjes aan elkaar plakken. De holbewoners moeten borstels zijn gemaakt van dierlijke haren of planten, en de scherpe gereedschappen van vuursteen voor het tekenen en krassen lijnen.

Zo ver terug als 30.000 jaar geleden, mensen hadden de basis gereedschappen en materialen voor het schilderen uitgevonden. Technieken en materialen werden verfijnd en verbeterd in de volgende eeuwen. Maar de ontdekkingen van de holbewoner blijven fundamentele schilderkunst.

Egyptische en Mesopotamische Painting (3400-332 voor Christus)

Een van de eerste beschavingen werd ontwikkeld in Egypte. Uit de schriftelijke verslagen en de kunst achtergelaten door de Egyptenaren, veel over hun manier van leven is bekend. Ze geloofden dat het lichaam moet worden bewaard, zodat de ziel op kan leven na de dood. De grote piramides waren uitgebreide graven voor rijke en machtige Egyptische heersers. Veel Egyptische kunst is gemaakt voor de piramides en tombes van de koningen en andere belangrijke mensen. Om er absoluut zeker van zijn dat de ziel zou blijven bestaan ​​te maken, kunstenaars maakten beelden van de dode persoon in steen. Ze namen ook scènes uit het leven van de persoon in de muurschilderingen in de grafkamers.

Egyptische technieken van de schilderkunst bleef hetzelfde voor eeuwen. Bij één werkwijze aquarel verf op modder-gips of kalkstenen muren gezet. In een ander proces werden contouren gesneden in stenen muren, en de ontwerpen werden geschilderd met aquarel wasbeurten. Een materiaal genaamd Arabische gom waarschijnlijk werd gebruikt om de verf te laten kleven op een oppervlak. Gelukkig hebben het droge klimaat van de regio en de verzegelde tombes een aantal van deze waterverfschilderijen verhinderd wordt vernietigd door vocht. Een aantal van de jacht scènes uit de muren van graven in Thebes van ongeveer 1450 vC zijn goed bewaard gebleven. Ze tonen jagers stalking vogels of spearing vis van vele variëteiten. Deze rassen kunnen nog steeds worden geïdentificeerd, omdat ze waren zo nauwkeurig en zorgvuldig geschilderd.

De Mesopotamische beschaving, die duurde 3200-332 vC is gelegen in de vallei tussen de Tigris en de Eufraat in het Nabije Oosten. De Mesopotamiërs grotendeels gebouwd met klei. Omdat de klei wordt verzacht door de regen, hebben hun gebouwen weg om stof afgebrokkeld, geen muurschilderingen kan er zijn geweest te vernietigen. Wat bewaard is gebleven zijn de gedecoreerde keramiek (geschilderd en vuurde aardewerk) en kleurrijke mozaïeken. Hoewel mozaïeken niet moet worden beschouwd als schilderen, ze vaak van invloed op de vormen van de schilderkunst.

Egyptische en Mesopotamische Painting (3400-332 voor Christus)

Een van de eerste beschavingen werd ontwikkeld in Egypte. Uit de schriftelijke verslagen en de kunst achtergelaten door de Egyptenaren, veel over hun manier van leven is bekend. Ze geloofden dat het lichaam moet worden bewaard, zodat de ziel op kan leven na de dood. De grote piramides waren uitgebreide graven voor rijke en machtige Egyptische heersers. Veel Egyptische kunst is gemaakt voor de piramides en tombes van de koningen en andere belangrijke mensen. Om er absoluut zeker van zijn dat de ziel zou blijven bestaan ​​te maken, kunstenaars maakten beelden van de dode persoon in steen. Ze namen ook scènes uit het leven van de persoon in de muurschilderingen in de grafkamers.

Egyptische technieken van de schilderkunst bleef hetzelfde voor eeuwen. Bij één werkwijze aquarel verf op modder-gips of kalkstenen muren gezet. In een ander proces werden contouren gesneden in stenen muren, en de ontwerpen werden geschilderd met aquarel wasbeurten. Een materiaal genaamd Arabische gom waarschijnlijk werd gebruikt om de verf te laten kleven op een oppervlak. Gelukkig hebben het droge klimaat van de regio en de verzegelde tombes een aantal van deze waterverfschilderijen verhinderd wordt vernietigd door vocht. Een aantal van de jacht scènes uit de muren van graven in Thebes van ongeveer 1450 vC zijn goed bewaard gebleven. Ze tonen jagers stalking vogels of spearing vis van vele variëteiten. Deze rassen kunnen nog steeds worden geïdentificeerd, omdat ze waren zo nauwkeurig en zorgvuldig geschilderd.

De Mesopotamische beschaving, die duurde 3200-332 vC is gelegen in de vallei tussen de Tigris en de Eufraat in het Nabije Oosten. De Mesopotamiërs grotendeels gebouwd met klei. Omdat de klei wordt verzacht door de regen, hebben hun gebouwen weg om stof afgebrokkeld, geen muurschilderingen kan er zijn geweest te vernietigen. Wat bewaard is gebleven zijn de gedecoreerde keramiek (geschilderd en vuurde aardewerk) en kleurrijke mozaïeken. Hoewel mozaïeken niet moet worden beschouwd als schilderen, ze vaak van invloed op de vormen van de schilderkunst.

De Aegean Civilization (3000-1100 vC)

De derde grote vroege cultuur was de Egeïsche beschaving op de eilanden voor de kust van Griekenland en in het schiereiland van Klein-Azië. De Aegeans leefde rond dezelfde tijd als de oude Egyptenaren en de Mesopotamiërs.

In 1900 begonnen archeologen naar het paleis van koning Minos graven in Knossos op het eiland Kreta. De opgravingen opgedoken kunstwerken geschilderd rond 1500 vC in een ongewoon gratis en gracieuze stijl voor die tijd. Blijkbaar de Kretenzers waren een luchthartig, natuur-liefhebbende mensen. Onder hun favoriete thema in de kunst waren zee leven, dieren, bloemen, atletiekwedstrijden en processies. Op Knossos en andere Egeïsche paleizen werden schilderijen gemaakt op natte gepleisterde muren met verf gemaakt van minerale stoffen, zand en aarde okers. De verf geweekt in de natte gips en werd een vast onderdeel van de wand. Dit soort schilderij werd later belde fresco, een Italiaans woord betekenis "vers" of "nieuwe." De Kretenzers vond fel geel, rood, blauw en groen.

Griekse en Romeinse klassieke schilderkunst (1100 B.C.-A.D. 400)

De oude Grieken versierde hun tempels en paleizen met een muurschildering (muur) schilderingen. We kunnen zien aan de oude literaire bronnen en uit de Romeinse kopieën van Griekse kunst dat de Grieken geschilderd kleine foto’s en maakte mozaïeken. De namen van de Griekse meester schilders en iets van hun leven en de werken zijn ook bekend, hoewel zeer weinig Griekse schilderkunst van de effecten van de tijd en oorlogen heeft overleefd. De Grieken niet te schilderen veel graven, zodat hun werk niet werden beschermd.

Geschilderde vazen ​​zijn ongeveer alles wat overblijft van de Griekse schilderkunst. Pottenbakken was een grote industrie in Griekenland, vooral in Athene. Containers waren in de grote vraag voor de uitvoer, zoals olie en honing, en voor huishoudelijk gebruik. De vroegste stijl van vaas schilderen werd bekend als de geometrische stijl (1100-700 voor Christus). Vazen waren versierd met banden van geometrische vormen en menselijke figuren in een bruine glazuur op lichte klei. Tegen de 6e eeuw, vaas schilders waren met de zwarte-figured stijl, waarin menselijke figuren in het zwart op de natuurlijke rode klei werden geschilderd. De gegevens werden gesneden in de klei met een scherp instrument. Hierdoor kon de rode eronder om door te tonen.

De rood-figured stijl uiteindelijk vervangen de zwarte. Het is precies het tegenovergestelde; de cijfers zijn rood en de achtergrond zwart. Het voordeel van deze stijl is dat de schilder een kwast kunnen gebruiken om de contouren te maken. Een borstel geeft een vrijer lijn dan het metaal instrument dat wordt gebruikt in zwart-figured vazen.

Roman muurschilderingen werden vooral in de villa’s (landhuizen) van Pompeii en Herculaneum gevonden. In n.Chr 79 werden deze twee steden volledig begraven door een uitbarsting van de vulkaan Vesuvius. Archeologen die het gebied hebben opgegraven in staat zijn geweest om te leren veel over de oude Romeinse leven van deze steden geweest. Bijna elk huis en villa in Pompei had schilderijen aan de muren. Roman schilders zorgvuldig voorbereid het muuroppervlak door toepassing van een mengsel van marmer stof en gips. Ze zetten het mengsel op in lagen en gepolijst naar een marblelike finish. Veel van de foto’s zijn kopieën van de 4e eeuw voor Christus Griekse schilderijen. De bevallige poses van de figuren op de muren van de Villa van de mysteriën in Pompeii inspireerde kunstenaars van de 18e eeuw, toen de stad werd opgegraven.

De Grieken en Romeinen ook geschilderde portretten. Een klein aantal van hen, vooral mama portretten gedaan in de Griekse stijl door de Egyptische kunstenaars hebben overleefd in Alexandria, in het noorden van Egypte. Gesticht in de 4e eeuw voor Christus door Alexander de Grote van Griekenland, werd Alexandrië een toonaangevend centrum van de Griekse en Romeinse cultuur. Mummy portretten werden geschilderd in de encaustic techniek op hout en werden ingepast in mummie gevallen na de dood van de geportretteerde. Encaustic schilderijen, gedaan in de verf gemengd met gesmolten bijenwas, de laatste voor een zeer lange tijd. Sterker nog, de mummie portretten zien er nog fris, hoewel ze zo lang geleden werden gedaan zoals de 2de eeuw voor Christus

Vroegchristelijke en Byzantijnse Painting (n.Chr 300-1300)

Het Romeinse Rijk begon te dalen in de 4e eeuw na Christus Tegelijkertijd christendom opgedaan kracht. In n.Chr 313 gaf de Romeinse keizer Constantijn de religie officiële erkenning en werd een christen zichzelf.

De opkomst van het christendom sterk beïnvloed de kunsten. Kunstenaars kregen de opdracht om de muren van de kerken versieren met fresco’s en mozaïeken. Ze maakten schilderijen op paneel in de kerk kapel en geïllustreerd en versierde de boeken van de kerk. Onder het gezag van de kerk, kunstenaars moesten de leerstellingen van het christendom zo duidelijk te communiceren mogelijk te maken.

Vroege christenen en Byzantijnse kunstenaars bleef de techniek van het mozaïek dat ze van de Grieken hadden geleerd. Kleine, platte stukjes gekleurd glas of stenen werden geplaatst in nat cement of gips. Soms andere harde materialen, zoals stukjes gebakken klei of schelpen werden gebruikt. In het Italiaans mozaïeken de kleuren zijn bijzonder diep en vol. De Italiaanse kunstenaars maakten de achtergrond met stukken van vergulde glas. Zij bepalen de menselijke figuren in rijke kleuren tegen de glinsterende goud. Het algemene effect is vlak en decoratief, niet realistisch.

De mozaïeken van de Byzantijnse kunstenaars vaak waren minder realistisch en meer decoratieve dan die van de eerste christenen. "Byzantijns" is de naam gegeven aan een stijl van kunst die ontwikkeld rond de oude stad Byzantium (nu Istanbul, Turkije). Het mozaïek techniek perfect geschikt voor de Byzantijnse smaak voor prachtig versierde kerken. De beroemde mozaïeken van Theodora en Justinianus, maakte ongeveer 547 n.Chr., Tonen de smaak voor rijke display. De sieraden op de cijfers glitters, en de schitterend gekleurde rechter jurken worden geplaatst tegen een glanzende gouden achtergrond. Byzantijnse kunstenaars gebruikten ook goud royaal in fresco en schilderijen op paneel. Goud en andere edele materialen werden gedurende de Middeleeuwen gebruikt om spirituele onderwerpen te onderscheiden van de alledaagse wereld.

Het eerste deel van de Middeleeuwen, vanaf ongeveer de 6e tot de 11e eeuw na Christus wordt ook wel de donkere Middeleeuwen. In deze tijd van onrust, werd art levend gehouden voornamelijk in de kloosters. In de 5e eeuw na Christus barbaarse stammen uit Noord-en Midden-Europa zwierven over het continent. Voor honderden jaren gedomineerd ze West-Europa. Deze mensen produceerde een kunst die een sterke nadruk op patroon heeft. Ze waren vooral dol op het design van verwevenheid draken en vogels.

Het beste van Keltische en Saksische kunst is te vinden in manuscripten van de 7de en 8ste eeuw. Boek verlichting en miniatuur schilderen, beoefend sinds eind Romeinse tijd, steeg in de Middeleeuwen. Verlichting is decoratie van de tekst, de hoofdletters, en de marges. Goud, zilver, en heldere kleuren werden gebruikt. Een miniatuur is een klein plaatje, vaak een portret. Oorspronkelijk werd de term gebruikt om de decoratieve blok rond de beginletters te beschrijven in een manuscript.

Karel de Grote, die keizer van het Heilige Roomse Rijk werd gekroond in het begin van de 9e eeuw, probeerde de klassieke kunst van het laat-Romeinse en vroeg-christelijke periodes te doen herleven. Tijdens zijn bewind schilders van miniaturen nagebootst klassieke kunst, maar ze overgebracht ook persoonlijke gevoelens over hun onderdanen.

Zeer weinig muurschildering overleeft uit de Middeleeuwen. Er waren verschillende grote reeks van fresco’s in de kerken gebouwd in de romaanse periode (11e-13e eeuw), maar de meeste van hen zijn verdwenen. Kerken van de gotische periode (12de-16de eeuw) niet genoeg ruimte op de muur voor muurschilderingen niet. Boek illustratie was de belangrijkste taak van de gotische schilder.

Een van de mooiste verluchte manuscripten waren de boeken van uren – collecties van kalenders, devotionele gebeden en psalmen. Een bladzijde uit een Italiaans manuscript toont uitbundig gedecoreerde initialen en een fijn gedetailleerde marginale toneel van Saint George doden van de draak. De kleuren zijn briljant en juweel-als, zoals in glas in lood en goud glinstert over de pagina. Prachtig delicate blad en bloem ontwerpen grenzen aan de tekst. Artiesten waarschijnlijk gebruikt vergrootglazen om dergelijke ingewikkelde werk te doen.

Italiaanse schilders aan het einde van de 13e eeuw nog steeds werkzaam in de Byzantijnse stijl. Menselijke figuren werden gemaakt vlak en decoratieve te verschijnen. Gezichten zelden uitdrukking gehad. Lichamen waren gewichtloos en leek te zweven in plaats van staan ​​stevig op de grond. In Florence de schilder Cimabue (1240? -1302?) Geprobeerd om een ​​aantal van de oude Byzantijnse methoden te moderniseren. De engelen in zijn Madonna kroonde zijn actiever dan gebruikelijk is in de schilderijen van die tijd. Hun gebaren en gezichten tonen een beetje meer menselijk gevoel. Cimabue voegde een nieuw gevoel van monumentaliteit, of een wijd, om zijn schilderijen. Toch bleef hij vele Byzantijnse tradities, zoals de gouden achtergrond en patternlike rangschikking van objecten en figuren te volgen.

Het was de grote Florentijnse schilder Giotto (1267? -1337), Die eigenlijk brak met de Byzantijnse traditie. Zijn fresco serie in de Arena kapel in Padua laat Byzantijnse kunst ver achter. In deze scènes uit het leven van Maria en Christus, is er echte emotie, spanning, en naturalisme. Alle kwaliteiten van menselijke warmte en sympathie aanwezig. De mensen lijken niet helemaal onwerkelijk of hemels. Giotto in de schaduw van de contouren van de figuren, en hij legde diepe schaduwen in de plooien van hun kleding om een ​​gevoel van rondheid en stevigheid te geven.

Voor zijn kleinere panelen gebruikt Giotto pure ei tempera, een medium dat werd geperfectioneerd door de 14e-eeuwse Florentijnen. De helderheid en de helderheid van zijn kleuren moeten sterk hebben beïnvloed mensen gewend aan de donkere kleuren van de Byzantijnse panelen. Tempera schilderijen geven de indruk dat zachte daglicht wordt omvallen van de scene. Ze hebben een bijna vlakke verschijning in tegenstelling tot de glans van schilderijen. Eitempera bleef de belangrijkste schilderij medium totdat de olie bijna volledig vervangen in de 16e eeuw.

Late Middeleeuwse schilderkunst ten noorden van de Alpen

In het begin van de 15e eeuw, schilders in Noord-Europa werkten in een stijl die heel anders dan de Italiaanse schilderkunst. Noordelijke kunstenaars bereikt realisme door het toevoegen van talloze details naar hun foto’s. Elke haar was subtiel geschetst, en elk detail van gordijnen of vloer patroon werd trouw vastgelegd. De uitvinding van de olieverf het gemakkelijker gemaakt om de details te schilderen.

Italiaanse Renaissance Schilderij

Op hetzelfde moment dat Van Eyck werkte in het noorden, de Italianen waren verhuizen naar een gouden tijdperk van kunst en literatuur. Deze periode wordt de Renaissance, wat betekent wedergeboorte, of revival wordt genoemd. Italiaanse kunstenaars werden geïnspireerd door het beeld van de oude Grieken en Romeinen. De Italianen wilden de geest van de klassieke kunst, waarin de menselijke onafhankelijkheid en adel verheerlijkt te doen herleven. Renaissance kunstenaars bleef religieuze onderwerpen schilderen. Maar ze benadrukte het aardse leven en de prestaties van de mens.

Giotto’s prestaties in het begin van de 14e eeuw de basis gelegd van de Renaissance. Vijftiende-eeuwse Italiaanse kunstenaars bleef de beweging. Masaccio (1401-1428) was een van de leiders van de eerste generatie kunstenaars uit de Renaissance. Hij woonde in Florence, de rijke koopman stad waar de Renaissance kunst begon. Tegen de tijd van zijn dood in zijn late twintiger jaren, had hij een revolutie schilderij. In zijn beroemde fresco Het geld van de Hulde hij zet stevige sculpturale figuren in een landschap dat lijkt te ver terug in de verte te gaan. Masaccio kan hebben geleerd perspectief van de Florentijnse architect en beeldhouwer Brunelleschi (1377? -1446).

Het fresco techniek was zeer populair tijdens de Renaissance. Het was met name geschikt voor grote wandschilderingen omdat de kleuren te drogen volledig plat. Het beeld kan worden bekeken vanuit elke hoek, zonder verblinding of reflecties. Fresco’s zijn ook beschikbaar. Meestal zijn de kunstenaars had een aantal assistenten om hen te helpen. Het werk werd voltooid door secties, omdat het moest worden afgewerkt, terwijl de pleister nog nat was.

Masaccio’s volledig driedimensionale stijl was typerend voor de nieuwe progressieve trend van de 15e eeuw. De stijl van Fra Angelico (1400? -1455) Vertegenwoordigt de meer traditionele aanpak van een aantal vroege Renaissance schilders. Hij was minder bezorgd met perspectief en meer geïnteresseerd in decoratief patroon. Zijn kroning van de Maagd is een voorbeeld van tempera het schilderen op haar mooist. De homo’s, zijn intense kleuren instellen tegen een gouden achtergrond en geaccentueerd met een vleugje goud. Het beeld ziet eruit als een sterk vergroot miniatuur schilderen. De lange, smalle cijfers hebben weinig gemeen met Masaccio’s. De samenstelling wordt georganiseerd in vloeiende lijnen van de beweging cirkelen rond de centrale figuren van Christus en Maria.

Een andere Florentine, die in de traditionele stijl werkte was Sandro Botticelli (1444? -1510). Vloeiende, ritmische lijnen verbinden de afdelingen van Botticelli’s Primavera. De figuur van de Lente, door het Westen Wind uitgevoerd, veegt over de rechterkant. Drie vereren dans in een cirkel, de fladderende plooien van hun jurken en sierlijke bewegingen van de armen uiting van de ritmes van de dans.

De beroemde kunstenaar Leonardo da Vinci (1452-1519) studeerde schilderkunst in Florence. Hij staat bekend om zijn wetenschappelijke studies en uitvindingen, en voor zijn schilderijen. Slechts enkele van zijn foto’s zijn bewaard gebleven, mede omdat hij vaak experimenteerde met verschillende manieren van het maken van en het aanbrengen van verf, in plaats van met behulp van beproefde methoden. Het laatste Avondmaal (Geschilderd tussen 1495 en 1498) werd gedaan in olie, maar helaas Leonardo schilderde het op een vochtige muur, die de oorzaak van de verf te kraken. Zelfs in de slechte staat van het schilderij heeft de macht om emoties in iedereen die het ziet roeren.

Een van de onderscheidende kenmerken van Leonardo’s stijl was zijn methode van het schilderen van licht en donker. De Italianen noemde zijn half-donkere verlichting sfumato, wat betekent rokerige of mistig. De cijfers in de Madonna van de Rotsen zijn gehuld in een sfumato sfeer. Hun vormen en functies zijn zacht schaduw. Leonardo bereikt deze effecten door het gebruik van zeer fijne gradaties van lichte en donkere tinten.

Het hoogtepunt van de Renaissance schilderij kwam in de 16e eeuw. Op hetzelfde moment, het centrum van kunst en cultuur verschoven van Florence naar Rome. Onder Paus Sixtus IV en zijn opvolger, Julius II, werd de stad Rome glorieus ingericht door kunstenaars uit de Renaissance. Enkele van de meest ambitieuze projecten van de periode zijn begonnen tijdens het pausdom van Julius II. Julius in opdracht van de grote beeldhouwer en schilder Michelangelo (1475-1564) aan het plafond van de Sixtijnse Kapel te schilderen en beeldhouwen voor het graf van de paus te snijden. Julius ook uitgenodigd de schilder Rafaël (1483-1520) om te helpen met de inrichting van het Vaticaan. Met assistenten, Raphael fresco’s vier kamers van de appartementen van de paus in het Vaticaan.

Michelangelo, een Florentijnse door geboorte, ontwikkelde een monumentale stijl van schilderen. De figuren in zijn schilderijen zijn zo solide en driedimensionaal dat ze eruit zien als sculptuur. De Sixtijnse plafond, dat Michelangelo 4 jaar vergde voltooid, is samengesteld uit honderden menselijke figuren uit het Oude Testament. Om deze enorme fresco Michelangelo had op zijn rug op steigers te liggen schilderen. De broeierige gezicht van Jeremia onder de profeten dat het plafond heen wordt gedacht door sommige mensen zijn zelfportret zijn.

Raphael kwam naar Florence van Urbino als een zeer jonge man. In Florence nam hij de ideeën van Leonardo en Michelangelo. Tegen de tijd dat Raphael ging naar Rome om te werken in het Vaticaan, had zijn stijl een van grote schoonheid geworden. Hij is vooral geliefd om zijn prachtige schilderijen van de Madonna met Kind. Deze zijn overgenomen door de duizenden en zijn overal te zien. Zijn Madonna del Granduca succesvol vanwege zijn alle eenvoud. Tijdloos in zijn rust en zuiverheid, het is net zo aantrekkelijk voor ons als het was om de Italianen van Rafaël’s tijd.

Venetië was de belangrijkste Noord-Italiaanse stad van de Renaissance. Het werd bezocht door kunstenaars uit Vlaanderen en andere regio’s die van de Vlaamse experimenten met olieverf wist. Dit stimuleerde een vroege gebruik van de olie-techniek in de Italiaanse stad. De Venetianen ook geschilderd op doek strak gespannen en niet op de houten panelen vaak gebruikt in Florence.

Giovanni Bellini (1430? -1516) Was de grootste Venetiaanse schilder van de 15e eeuw. Hij was ook een van de eerste Italiaanse schilders om olie te gebruiken op canvas. Giorgione (1478? -1511) En Titiaan (1488? -1576), Die de beroemdste van alle Venetiaanse schilders, waren de studenten in het atelier van Bellini’s.

Een meester van de olie-techniek, Titiaan schilderde reusachtige doeken in warme, rijke kleuren. In zijn rijpe schilderijen opgeofferd hij gegevens aan de ingrijpende effect van het hele schilderij, zoals in de Pesaro Madonna. Hij gebruikte grote borstels om grote lijnen te maken. Zijn kleuren zijn bijzonder rijk, omdat hij geduldig opgebouwd glazuren van contrasterende kleuren. Meestal zijn de glazuren werden gebracht over meer dan een bruine tempera grond, die het schilderij een verenigd toon gaf.

Een andere grote 16e-eeuwse Venetiaanse schilder was Tintoretto (1518-1594). In tegenstelling tot Titiaan, hij gewoonlijk werkt direct op het doek zonder voorstudies of onderschildering. Hij vervormd vaak zijn vormen (gedraaid ze uit vorm) ter wille van de samenstelling en het drama van de scène. Zijn techniek, die brede penseelstreken en dramatische contrasten van licht en donker omvat, lijkt zeer modern.

De schilder Kyriakos Theotokopoulos (1541-1614) werd bekend als El Greco ("de Griek"). Geboren op het eiland Kreta, die werd bezet door het Venetiaanse leger, werd El Greco opgeleid door Italiaanse kunstenaars. Als jong volwassene ging hij naar Venetië om te studeren. De gecombineerde invloed van de Byzantijnse kunst – die hij zag om zich heen in Kreta – en van de Italiaanse Renaissance kunst die het werk van El Greco uitstekend.

In zijn schilderijen vervalst hij natuurlijke vormen en gebruikte nog vreemder, meer onaardse kleuren dan Tintoretto, die hij bewonderde. Later verhuisde El Greco naar Spanje, waar de grimmigheid van de Spaanse kunst beïnvloedde zijn werk. In zijn dramatische Mening van Toledo een storm woedt boven de doodse stilte van de stad. Koude blauw, groen en blauw-witten wierp een chill over het landschap.

De Renaissance in Vlaanderen en Duitsland

De gouden eeuw van de schilderkunst in Vlaanderen (nu onderdeel van België en Noord-Frankrijk) was de 15e eeuw, de tijd van Van Eyck. In de 16e eeuw waren vele Vlaamse kunstenaars de ontdekkingen van de Italiaanse Renaissance schilders opgepakt. Sommige Vlamingen bleef echter de Vlaamse traditie van het realisme. Zij schilderden genre – taferelen uit het dagelijks leven, die vaak charmant en soms fantastisch waren. Hieronymus Bosch (1450? -1516), Die het genre schilders voorafging, had een ongewoon levendige fantasie. Hij bedacht allerlei rare, groteske schepselen voor De verleiding van St. Anthony. Pieter Bruegel de Oude (1525? -69) Werkte ook in de Vlaamse traditie, maar voegde perspectief en andere kenmerken van de Renaissance om zijn genrestukken.

Albrecht Dürer (1471-1528), Hans Holbein de Jonge (1497? -1543) en Lucas Cranach de Oude (1472-1553) waren de drie belangrijkste Duitse schilders uit de 16e eeuw. Ze deed veel om de grimmige realisme van de vroegere Duitse schilderkunst te verzachten. Dürer gemaakt ten minste een bezoek aan Italië, waar hij onder de indruk van de schilderijen van Giovanni Bellini en andere noordelijke Italianen was. Vanuit deze ervaring bracht hij naar Duitse schilderkunst een kennis van het perspectief, gevoel voor kleur en licht, en een nieuw begrip van de samenstelling. Holbein geabsorbeerd nog meer van de Italiaanse prestaties. Zijn gevoelige tekening en het vermogen om alleen de meest belangrijke details te selecteren maakte hem tot een meester portretschilder.

De 17e eeuw is algemeen bekend als de barok in de kunst. In Italië is de schilders Caravaggio (1571-1610) en Annibale Carracci (1560-1609) vertegenwoordigde twee tegengestelde standpunten. Caravaggio (wiens echte naam was Michelangelo Merisi) altijd direct geschilderd van het leven. Een van zijn grootste zorgen was om de natuur zo getrouw mogelijk te kopiëren zonder te verheerlijken het in elk opzicht. Carracci, aan de andere kant, volgden de Renaissance ideaal van schoonheid. Hij studeerde oude beeldhouwkunst en de werken van Michelangelo, Rafaël en Titiaan. Caravaggio’s stijl werd bewonderd door vele schilders, met name door de Spanjaarden Ribera en de jonge Velázquez. Carracci schilderen geïnspireerd Nicolas Poussin (1594-1665), een grote Franse schilder van de 17e eeuw.

Diego Velázquez, (1599-1660), hofschilder van koning Filips IV van Spanje, was een van de grootste van alle Spaanse schilders. Een bewonderaar van het werk van Titiaan, was hij een meester in het gebruik van rijke, harmonieuze kleuren. Geen kunstenaar kan beter de illusie van rijke stoffen of menselijke huid. Het portret van weinig prins Phillip Prosper toont deze vaardigheid te groot voordeel. Zijn opmerkelijke penseelvoering werd zeer bewonderd door de 19e-eeuwse Franse impressionisten.

De schilderijen van de Vlaamse kunstenaar Peter Paul Rubens (1577-1640) zijn representatief voor de full-blown barokke stijl. Ze zijn vol energie, kleur en licht. Rubens brak met de Vlaamse traditie van het schilderen van kleine, gedetailleerde foto’s. Zijn waren enorm doeken gevuld met menselijke figuren. Hij kreeg veel meer opdrachten voor grote foto’s dan hij zou kunnen verwerken. Daarom is slechts een kleine, gekleurde schets schilderde hij vaak. Vervolgens overgebracht zijn assistenten de schets tot een groot doek en voltooide het schilderij onder toezicht Ruben’s.

In de 18e eeuw, Venetië produceerde een aantal uitstekende schilders. De meest bekende was Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770). Hij versierde de interieurs van paleizen en andere gebouwen met een enorme, kleurrijke fresco’s die scènes van rijkdom en praal Francesco Guardi (1712-1793) en Antonio Canaletto (1697-1768) schilderde een schilderachtig uitzicht, velen van hen herinneren aan de vergane glorie van Venetië. Guardi was zeer behendig met een borstel. Met een paar flarden van kleur kon hij roepen het idee van een kleine figuur in een boot.

In de 18e eeuw het Engels, voor de eerste keer, ontwikkelde een aparte school van het schilderen. Het bestond voornamelijk uit portretschilders die werden beïnvloed door de Venetiaanse kunstenaars uit de Renaissance. Sir Joshua Reynolds (1723-1792) en Thomas Gainsborough (1727-1788) zijn de bekendste. Reynolds, die in Italië had gereisd, was gewijd aan de heropleving van de Renaissance idealen van de schilderkunst. Zijn portretten, maar charmant en ontroerend, zijn niet bijzonder interessant in kleur of textuur. Gainsborough, aan de andere kant, had een talent voor briljante penseelvoering. Het oppervlak van zijn schilderijen gloeien met glanzende kleur.

De 19e eeuw wordt soms beschouwd als de periode waarin de moderne kunst begon vorm te krijgen. Een belangrijke reden voor de zogenaamde revolutie in de kunst op dit moment was de uitvinding van de camera, die kunstenaars gedwongen om opnieuw te onderzoeken met het oog van de schilderkunst.

Hoewel Frankrijk was de grote centrum van kunst in de jaren 1800, het Engels landschapschilders John Constable (1776-1837) en Joseph Mallord William Turner (1775-1851) maakte waardevolle bijdragen aan de 19e-eeuwse schilderkunst. Beiden waren geïnteresseerd in het schilderen van licht en lucht, twee aspecten van de natuur die 19de-eeuwse kunstenaars volledig onderzocht. Constable gebruik gemaakt van een methode die bekendstaat als divisionisme of gebroken kleur. Hij zette contrasterende kleuren naast elkaar in dikke, korte slagen of stippen op een eenvoudige achtergrond kleur. Hij vaak gebruikte een paletmes om de kleur dik aanbrengen. The Hay Wain maakte hem beroemd toen het werd getoond in Parijs in 1824. Het is een eenvoudige landelijke scène van een hooiwagen (Wain) oversteken van een rivier. Wolken drijven boven weiden bespikkeld met flarden van zonlicht. Turner’s schilderijen zijn dramatischer dan Constable. Hij schilderde de majestueuze bezienswaardigheden van de natuur – stormen, zeegezichten, het gloeien zonsondergang, hoge bergen. Vaak wordt een gouden waas verbergt gedeeltelijk de objecten in zijn foto’s, waardoor ze lijken te zweven in de onbeperkte ruimte.

Francisco Goya (1746-1828) was de eerste grote Spaanse schilder te verschijnen sinds de 17e eeuw. Als de favoriete schilder van de Spaanse rechter, maakte hij veel portretten van de koninklijke familie. De koninklijke personages zijn uitgerust in elegante kleren en fijne juwelen, maar in sommige van hun gezichten al wat tot uiting komt is ijdelheid en hebzucht. Naast portretten, Goya schilderde dramatische taferelen zoals De derde mei 1808. Deze foto toont de uitvoering van een groep Spaanse rebellen door Franse soldaten. Gedurfde contrasten van licht en donker, en sombere kleuren doorboord door spatten van rode, brengen de grimmige horror van het spektakel.

De periode van het bewind van Napoleon en de Franse Revolutie zag de opkomst van twee tegengestelde tendensen in de Franse kunst – klassieke en romantische periode. Jacques Louis David (1748-1825) en Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867) werden geïnspireerd door de oude Griekse en Romeinse kunst en de Renaissance. Ze benadrukten tekenen en kleuren gebruikt voornamelijk om te helpen bij het creëren van vaste vormen. Als de favoriete kunstenaar van de revolutionaire regering, David schilderde vaak historische gebeurtenissen van de periode. In zijn portretten, zoals die van Madame RéCamier, gericht hij op het bereiken van de klassieke eenvoud.

théodore Géricault (1791-1824) en de romanticus Eugène Delacroix (1798-1863) in opstand tegen David’s stijl. Voor Delacroix, kleur was het belangrijkste element in de schilderkunst, en hij had geen geduld voor het imiteren van klassieke beelden. In plaats daarvan, bewonderde hij Rubens en de Venetianen. Hij koos kleurrijke, exotische thema’s voor zijn foto’s, die schitteren met licht en zijn vol beweging.

De schilders van Barbizon maakten ook deel uit van de algemene romantische beweging die duurde van ongeveer 1820 tot 1850. Zij werkten in de buurt van het dorp van Barbizon aan de rand van het bos van Fontainebleau. Ze schetste out-of-deuren en voltooide de schilderijen in hun ateliers.

Andere kunstenaars experimenteerden met elke dag, gewone onderwerp. De landschappen van Jean Baptiste Camille Corot (1796-1875) weerspiegelen zijn liefde voor de natuur, en zijn figuur studies tonen een soort uitgebalanceerde rust. Gustave Courbet (1819-1877) noemde zichzelf een realist, omdat hij de wereld geschilderd als hij het zag – zelfs zijn harde, onaangename kant. Hij beperkt zijn palet tot slechts een paar sombere kleuren, die hij soms gelegd op met een paletmes. ÉEdouard Manet (1832-1883) nam ook zijn onderwerp uit de wereld om hem heen. Mensen waren geschokt door zijn kleurrijke contrasten en ongebruikelijke technieken. Het oppervlak van zijn foto’s hebben vaak een platte, patternlike textuur van penseelstreken. Manet’s technieken en methoden voor het registreren van de effecten van licht op de vorm beïnvloed jongere schilders, vooral de impressionisten.

Werken in de jaren 1870 en 1880, de groep kunstenaars die bekend staat als de impressionisten wilde natuur precies zoals het was te schilderen. Zij gingen veel verder dan Constable, Turner en Manet in het bestuderen van de effecten van licht in kleur. Sommigen van hen werkte wetenschappelijke theorieën van kleur. Claude Monet (1840-1926) schilderde vaak hetzelfde uitzicht op verschillende momenten van de dag om te laten zien hoe het uiterlijk veranderd onder verschillende omstandigheden van het licht. Ongeacht het onderwerp, worden zijn scènes opgebouwd uit honderden kleine penseelstreken gelegd naast elkaar, vaak in contrasterende kleuren. Van een afstand de slagen te mengen om de indruk van vaste vorm te geven. Pierre Auguste Renoir (1841-1919) gebruikte de impressionistische technieken om het feest van het Parijse leven vast te leggen. In zijn Dans in de Moulin de la Galette mensen in felgekleurde kleding mengen en dansen vrolijk. Renoir schilderde het hele beeld met kleine, zelfs penseelstreken. De punten en streepjes verf maken een textuur op het oppervlak van het schilderij dat het een bijzondere soort eenheid weergeeft. De drukte van de mensen lijken op te lossen in het zonlicht en glanzende kleur.

Een aantal kunstenaars werd al snel ontevreden over het impressionisme. Kunstenaars zoals Paul Cézanne (1839-1906) was van mening dat het impressionisme de soliditeit van de vormen in de natuur niet heeft te beschrijven. Cézanne graag nog schilderen levens, omdat ze hem in staat stelde zich te concentreren op de vormen van fruit of andere objecten en hun arrangementen. Objecten in zijn stillevens kijken solide, omdat hij hun vormen gereduceerd tot eenvoudige geometrische vormen. Zijn techniek van het plaatsen van flarden van verf en korte penseelstreken van rijke kleuren naast elkaar laat zien dat hij veel van de impressionisten geleerd.

Vincent van Gogh (1853-1890) en Paul Gauguin (1848-1903) reageerden tegen het realisme van de impressionisten. In tegenstelling tot de impressionisten, die zeiden dat ze de natuur aan het bekijken was objectief, Van Gogh weinig verzorgd voor nauwkeurige tekening. Hij vaak vervormde voorwerpen om zijn ideeën meer creatief te uiten. Hij gebruikte de impressionistische inrichting van het zetten van contrasterende kleuren naast elkaar. Soms kneep hij verf uit de tubes rechts op het doek in dikke linten, zoals in Gebied van gele maïs .

Gauguin niet de zorg voor de vlekkerige kleur van de impressionisten. Hij paste kleur soepel in grote vlakke gebieden, die hij van elkaar gescheiden door lijnen of donkere randen. De kleurrijke beschavingen van de tropen op voorwaarde veel van zijn onderwerp.

Cémethode voor het opbouwen van regelingen in de ruimte met eenvoudige geometrische vormen zanne werd verder ontwikkeld door Pablo Picasso (1881-1973), Georges Braque (1882-1963), en anderen. Hun stijl werd bekend als het kubisme. De kubisten beschilderde voorwerpen alsof ze in een keer zou kunnen worden gezien vanuit verschillende invalshoeken, of alsof ze uit elkaar zijn genomen en weer in elkaar gezet op een vlakke doek. Vaak lijken voorwerpen nauwelijks iets in de natuur. Soms snijd de kubisten uit vormen van doek, karton, behang of andere materialen en plakte ze op het doek om een ​​collage te maken. Structuren werden gevarieerd door toevoeging van zand of andere stoffen aan de lak. Sinds Manet, is de trend om minder nadruk te leggen op onderwerp en meer nadruk op de compositie en techniek.

Schilderen in de Verenigde Staten

Amerikaanse schilderkunst voor de 20e eeuw had bestond voornamelijk uit portretten en landschappen op basis van Europese stijlen. Veel Amerikaanse kunstenaars, zoals James Abbott McNeill Whistler (1834-1903) en John Singer Sargent (1856-1925), in het buitenland gewoond en werden beïnvloed door de Europese kunst. Er was echter een belangrijke groep Amerikaanse genre schilders, van wie de beste was Winslow Homer (1836-1910) en Thomas Eakins (1844-1916).

In de jaren 1890 een groep jonge schilders bekend als The Eight, geleid door Robert Henri (1865-1929), geprobeerd om een ​​kunst die duidelijk Amerikaanse was te creëren. John Sloan (1871-1951) en George W. Bellows (1882-1925) schilderde het leven in de steegjes, binnenplaatsen, havens, en sloppenwijken. Leden van De Acht hielp bij de organisatie van de 1913 Armory Show van New York City. Deze tentoonstelling, gehouden in een wapenkamer, bracht de moderne kunst uit de Verenigde Staten en Europa. Op deze show zagen de Amerikanen de gedurfde kunst van de kubisten en andere moderne Europeanen voor het eerst.

Aan het begin van de Eerste Wereldoorlog, de Verenigde Staten kunstenaars waren op de hoogte van alles wat er gaande was in de moderne Europese schilderkunst. Maar ze hebben geen gebruik gemaakt van de nieuwe ideeën pas jaren later. Veel schilders in de jaren 1930 waren de regionale artiesten als Grant Wood (1891-1942), die realistische scènes van het leven geschilderd in het Midden-Westen.

Na de Tweede Wereldoorlog, werd de Verenigde Staten de wereld centrum van de schilderkunst. Arshile Gorky (1904-1948) en Jackson Pollock (1912-1956) was een van de leiders die hebben bijgedragen aan een nieuwe stijl genaamd action painting of abstract expressionisme creëren. In plaats van te proberen om specifieke objecten te vertegenwoordigen, waren ze vooral geïnteresseerd in kleur, design, ritme, en nieuwe manieren van aanbrengen van verf. Pollock experimenteerde met slingeren en druipend kleur op zijn doeken uit sticks ondergedompeld in emmers met verf. Zo’n gedurfde techniek is slechts één voorbeeld van de zoektocht van de 20e-eeuwse kunstenaar voor originaliteit en de vrijheid van meningsuiting.

In het midden van 1960’s, andere vormen van kunst ontstaan. "op," of optische kunst, was één. In op-art, de trucs ons gezichtsvermogen kan spelen deel gaan uitmaken van de stijl van de kunstenaar. In Vaacov Agam’s Dubbele Metamorfose II. de speciaal ingericht patronen van lijn en kleur lijken bijna te trillen.

Sommige abstracte kunstenaars, zoals Frank Stella (1936-) en Ellsworth Kelly (1923-), soms vorm te geven het doek zichzelf in cirkels, driehoeken en andere vormen. Gebruik van felle kleuren, vaak toepassen verf harde randen geometrische vormen die voldoen aan de vorm van het doek. Dus, kan het moeilijk om onderscheid te maken tussen schilderkunst en beeldhouwkunst vandaag, maar we waarderen de zuiverheid van kleur en relaties van vormen.

Sarah Bradford Landau
Department of Fine Arts
New York University

Bron: www.scholastic.com


Read more

Legg igjen en kommentar

Din e-postadresse vil ikke bli publisert. Obligatoriske felt er merket med *

three × 4 =